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miércoles, 8 de febrero de 2012

EL ASIENTO DEL RENACIMIENTO ESPAÑOL

Se conservan muy pocos muebles realizados durante el S.XVI en España. Además, la imagen del renacimiento español no tiene nada que ver con la idea que tenemos en la actualidad. El mobiliario más característico eran las arcas, arquetas, armarios, escritorios, mesas, camas y asientos.

Con respecto a los asientos, en un principio se caracterizan por ser de uso masculino, aunque a veces también vemos a mujeres sentadas en las sillas, como una noble o una infanta.

Hay diferentes tipos de asiento:

El más importante durante la 1º 1/2 del S. XVI fue la silla de caderas granadina: Muy valoradas en España también fueron exportadas a otras tierras. Realizadas mediante taracea, hay diferentes tipos de diseños: de estrellas, de redes y de aspas. Generalmente realizados con huesos y pequeñas piezas metálicas.


Sillas de caderas enteramente tapizadas de tela: No hay nada conservado. 

Taburetes, bancos y arquibancos:

Sitiales: Uno de los primeros sitiales del renacimiento español es el sitial del Cardenal Cisneros en la Sala Capitular de Toledo, realizado en 1514 por Diego Copin de Holanda. Aún no tiene decoración de grutescos, pero si una decoración a candelieri.

Sillerias de coro: Un ejemplo de las sillerias de coro se encuentran en la catedral de Plasencia


Hacia 1530-1560 comienzan a aparecer las sillas de brazos. Se asemejan a las francesas, pero tienen la peculiaridad de ser tapizadas con terciopelo y remates con piña. Hay tres tipos de sillas: las sillas fijas, las plegables y las desmontables con tornillos.

La tapicería en las sillas de brazos pueden ir colocadas de dos formas: 
- Colocada la tela por delante de los montantes del respaldo. Esta es la más frecuente
- Colocada por detrás de los montantes (a maderas vistas).

Silla de brazos tapizada por delante de los montantes. Retrato del Cardenal, El Greco

Silla tapizada a maderas vistas. Retrato de la Infanta Isabel Clara Eugenia, de Sanchez Coello.


   Beatriz V.Mazariegos Álvarez de Toledo
                                                               Licenciada en Historia del Arte.
                                  Master de Tasación y Valoración de obras de Arte

jueves, 1 de diciembre de 2011

CERÁMICA RENACENTISTA DE TALAVERA

Talavera surgió en el último tercio del siglo XVI, impulsado por Felipe II, quien trajo a alfareros de flandes para enseñar a los alfareros españoles. No fue una única fábrica, sino que existieron diferentes talleres, por lo que la producción es poco uniforme. La cerámica de Talavera abarca: Puente del Arzobispo, Talavera capital, Toledo y Madrid. Este tipo de producción será realizada tanto para el rey como la nobleza. Sin embargo, la mejor producción de Talavera será desde la 2º1/2 del S.XVII hasta la 1º 1/2 S.XVIII.

Las piezas realizadas serán de uso corriente: platos, jarras, escudillas...y se realizarán tanto series populares (para el comercio y clase media) como series cultas (serán más cuidadas).


Series:

- Serie de la Mercé: Serie popular. Son piezas totalmente blancas que se realizaron hasta el S.XVII. Actualmente no se conserva ningún ejemplo, pero podemos documentarla a través de los cuadros de Zurbarán.

- Serie de las Mariposas: Serie popular en azul que se dio sólo durante el Renacimento. El motivo de las mariposas va siempre en el alero, cuando es plato, y se van alternando las mariposas con flores. Esta alternancia y decoración son influencia de la carraca china a través de Portugal. En el centro de los platos, es característico de Talavera, la aparición de motivos zoomorfos en posición de caminar.





- Serie de los recortes, herrajes o ferroneries: Serie culta en azul con decoración en amarillo. Recoge la influencia italiana de principios del S.XVI, aunque será un flamenco, Jan FLoris, quien traiga esta decoración a Talavera. Lac decoración representa hierros recortados que, en la mayoría de las veces, se representan entre medias grutescos.





- Serie Jaspeada: Serie culta en azul. Imita a las piedras duras o al jaspe. Se decora con una esponja y posteriormente, con una brocha se difumina.



-Serie esponjada: Serie culta en azul. Es parecido al anterior, pero en este caso no se difumina. Este esponjado siempre va acompañado con manchas amarillas que imitan la pirita del lapislázuli.






-Serie pulverizada: Serie culta en azul. El fondo suele ser blanco, y sobre él, manchas en azul; pero también está el fondo azul con manchas en azul.



-Serie punteada:Todos los puntos y lineas se realizan en azul, y la decoración restante en naranja y amarillo.


Hacia 1590 se comienza a realizar otro tipo de series que coincide con el periodo Maniesta. Estas series se dejarán de ver en el periodo Barroco. La serie más importante en este periodo es la tricolor: En ella se combinan 3 colores: manganeso (dibujo), azul (tendido) y naranja (rayado). Se realizarán diferentes decoraciones pero siempre siguiendo este patrón.








                                                           Beatriz V.Mazariegos Álvarez de Toledo
                                                               Licenciada en Historia del Arte.
                                  Master de Tasación y Valoración de obras de Arte

viernes, 11 de noviembre de 2011

JUAN DE ARELLANO: EL ESPECIALISTA EN PINTURA DE FLORES EN MADRID DURANTE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVII

Juan de Arellano nació en Santorcaz en 1614 y murió en Madrid en 1676. Al fracasar como pintor de figuras, descubrió en la pintura de flores una manera más fácil de conseguir el éxito.

Arellano produjo una gran variedad de obras, destacando las composiciones en pareja o en serie, aunque siempre con la necesidad de repetir las fórmulas más populares. Posteriormente, estas obras eran vendidas en su tienda situada en la calle Mayor en Madrid.

Su pintura de flores se caracteriza por un detallismo recogido de la pintura flamenca, combinando junto con un dinamismo propio de la pintura italiana.

Diferentes tipologías en sus pinturas de flores:

- Guirnalda de flores con figuración: En este tipo de cuadros colaboraba con otros pintores de temas figurativos. La colaboración de dos expertos garantizaba una gran calidad a la obra. Esta práctica era característica del norte de europa. Entre los pintores que colaboraron con Arellano destacan, Bartolomé Pérez (discípulo y yerno de Arellano) o Mateo Cerezo.

- Guirnalda de flores con paisaje:



- "botines" de frutas y flores: Tienen un formato alargado ya que se colgaban como sobrepuerta o sobreventanas.

- Flores con jarrones de vidrio: Los jarrones eran de diferentes formas y tamaños, pero siempre de cristal. Arellano muestra una gran habilidad técnica con el reflejo de la luz sobre el cristal y los tallos en el interior del mismo. La utilización de estos recipientes no es una novedad, ya lo hicieron otros artistas anteriores como Juan Van der Hamen y Antonio Ponce.



- Flores con jarrones de bronces y porcelana azul: Debido a su ostenticidad, probablemente eran para adornar las estancias palaciegas


- Cesta de flores: Son sus obras más importantes y las más conocidas. Empezó a realizarlas a finales de su carrera y todas ellas son de gran formato.



 - Cesta de flores sobre estructura arqutectónica: a veces combinadas con guirnalda de flores
 
Centrándose siempre en la simetría de la composición, proyectaba un foco de luz en la parte central mediante la utilización de flores blancas y amarillas. El resto de colores se distribuía de forma armoniosa, abarcando casi la totalidad del lienzo las numerosas flores.

La mayoría de sus obras fueron pintadas para ser vistas a la misma altura de los ojos del espectador, sin embargo, hay ocasiones en que realiza una pintura con perspectiva baja; esto es debido a que era un encargo para situar el lienzo en lo alto de la pared y decorar la estancia.



Las obras de Arellano eran compradas por coleccionistas que admiraban enormemente su pintura, ya que eran de extraordinaria habilidad y maestría. Fue un pintor no sólo valorado en Madrid, sino que en toda España, y muchos pintores seguían sus modelos como Batolomé Pérez, Gabriel de la Corte o Francisco Pérez Sierra entre otros; y algunos incluso, firmaron con el nombre de Arellano, pero no llegan a alcanzar la calidad extraordinaria del maestro.

Actualmente también son muy valoradas entre los coleccionistas y se llegan a pagar grandes sumas de dinero por una obra de Juan de Arellano.

                                                           Beatriz V.Mazariegos Álvarez de Toledo
                                                               Licenciada en Historia del Arte.
                                  Master de Tasación y Valoración de obras de Arte

viernes, 4 de noviembre de 2011

TAPICES BARROCOS DEL GÉNERO TENIERS

Durante el Barroco, los tapices flamencos se caracterizaban por la monumentalidad de las figuras, por el pictoricismo y la amplia gama cromática. Uno de los principales promotores de los tapices flamencos barrocos fue Rubens, quien realizó un gran número de cartones. (Rubens realizaba los cartones para entregarselo a las manufacturas de tapices, donde iban firmadas por el director de dicha manufactura)

Tapiz del triunfo de la Iglesia sobre la Ceguera y la Ignorancia, dentro de la serie del Triunfo de la Eucaristía.

Sin embargo, durante este periodo, empieza a surgir un cambio, será a través de los tapices de género Teniers, que comenzaron a realizarse en Flandes en el S.XVII por la familia Teniers. Pero su gran esplendor fue en el S.XVIII, expandiendose practicamente por toda Europa.

Esta tipoligía de tapices, pueden responder a varias definiciones:

-Auténticos tapices realizados a través de cartones de la familia Teniers

-Tapices realizados a través de composiciones de la familia Teniers, pero no por cartones; es decir, basandose en obras de la familia Teniers pero sin ser realizadas para tapices.

- Tapices a la manera de Teniers. Siguiendo el estilo Teniers.


Estos tapices reciben esta terminología porque están inspirados en los tapices de la saga Teniers:

-David Teniers I, el Viejo (1582-1649)
-David Teniers II, el Jóven ( 1610-1690). Es el más relevante.
-David Teniers III, Junior (1638-1685)


Este tipo de tapices se caracteriza por ser un género costumbrista, se pretende representar escenas típicas de la vida de los aldeanos flamencos.


David Teniers III, Regreso de los pescadores


Se diferencia de los tapices anteriores porque las figuras disminuyen de tamaño, siendo uno de los ingredientes de éxito de estos tapices. Esto hace que sean mucho más decorativos, además de ser temas costumbristas, simpáticos y de caracter anecdótico.

El paisaje también será importante, abarcando gran parte del espacio. Las arquitecturas representadas son típicas de la aldea, y las escenas pueden ser más variadas: escenas de mercado, jugadores de naipes, fiestas...

David Teniers III, Jugadores de Bolos

Hoy en día se cotizan más que los tapices característicos de Rubens.

Para cualquier información, no duden en ponerse en contacto conmigo.

                                                           Beatriz V.Mazariegos Álvarez de Toledo
                                                               Licenciada en Historia del Arte.
                                  Master de Tasación y Valoración de obras de Arte

lunes, 24 de octubre de 2011

LA AMPLIA Y COMPLEJA PRODUCIÓN DE ÉMILE GALLÉ (1846-1904)

Émile Gallé nació en Nancy en 1846, y murió en esa misma ciudad en 1904. Desde muy pequeño ya  se interesó por el vidrio, debido al taller de piezas de éste material que poseía su padre. Realizó viajes tanto a Alemania como Inglaterra para tener una mayor perfección con la técnica del vidrio.

Émile Gallé

A su vuelta, en 1864, trabaja como diseñador en el taller de su padre, y 10 años más tarde será el nuevo director de la empresa; pero no será hasta 1889 cuando reciba grandes reconocimientos en la Exposición Universal de París y empezarán a encargarle piezas como regalo de Estado.

En 1901 funda École de Nancy con la idea de renovar el arte, y cuyo camino común es la Naturaleza. Esta Escuela perdurará hasta 1931, año en que cierra.


Émile Gallé en su estudio

Todas las piezas realizadas por Gallé van marcadas, algunas más elaboradas que otras; pero todas ellas son dificiles de ver porque se integran dentro de la decoración.

Algunas de sus marcas
Hay que tener en cuenta, que se realizaron muchas falsificaciones de este artista, por lo que hay que tener cuidado a la hora de autentificar una pieza.


MOTIVOS QUE LE INSPIRARON EN SU PRODUCCIÓN:

- La antigüedad: Tanto la civilización egipcia como la cultura greco-latina, la Edad Media e incluso el arte islámico.
Tema greco-latino: Orfeo y Eurídice





influencia de motivos egipcios



Tema de la Edad Media: 
Juana de Arco
influencia islámica






















- El Impresionismo: Inspiración en la naturaleza pero sin copiarla




- Japón:  Influenciado tras la Exposición Universal de 1867 en París y por Rosseau.



- La Literatura: Influenciado por escritores y poetas. Sus piezas serán parlantes.

Influencia del escritor Maeterlinck: Melancolía.

- La Ciencia: A partir de finales del siglo XIX empezaron a haber grandes descubrimientos científicos.

Homenaje a Pasteur

-La Naturaleza: Característica principal del Art Nouveau.





















Otra de sus principales características fue su diversidad a la hora de realizar el vidrio. Utilizó tanto la técnica del esmalte, como la técnica de la marquetería o el vidrio soplado entre otras;  una de las más utilizadas fue la técnica del camafeo, empleada a partir de 1889. Se trata de siluetas recortadas en diferentes planos, producidas a partir del acído fluorhidrico, que aplicado sobre la superficie de la pieza tiene un efecto abrasivo.

Gallé incorpora monturas en muchos de sus vidrios, que se pusieron de moda a finales del siglo XIX. Al principio las compra y posteriormente realizará sus propios diseños. Las monturas eran elementos que servían para embellecer las piezas y darlas estabilidad.


Montura diseñada por Gallé

Émile Gallé fue uno de los precursores del Art Nouveau e influyó a numerosos artistas.




Si quiereis saber más sobre este artista no dudeis en poneros en contacto conmigo.


                                                 Beatriz V.Mazariegos Álvarez de Toledo
                                                               Licenciada en Historia del Arte.
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viernes, 20 de mayo de 2011

EL DESCUBRIMIENTO DE LA PORCELANA EN EUROPA: MEISSEN

Con el descubrimiento de la porcelana oriental, los europeos comenzaron a importarla. Deseaban con ansia el secreto de la misma, sin embargo, los orientales lo ocultaron, ya que no querían que les quitasen el comercio que les unía con Occidente.

En Occidente se comenzaron ha realizar multitud de experimentos, y no fue hasta 1707 cuando se descubrió en  Meissen, Alemania. Pero lo mantuvieron en secreto hasta 1709.

Los descubridores de la porcelana fueron:

- El alquimista sajón: Johann Friedrich Böttger
- El químico: Ehrenfried Walther Von Tschirnhaus

Tschirnhaus
Böttger  











                                                                                                                           

Juntos partieron de las pastas de cerámica para descubrir la porcelana. Cuando se proclamó el descubrimiento en 1709 Tschirnhaus había muerto, por lo que toda la gloria quedó en Böttger.

El Elector de Sajonia funda en su castillo de Meissen La Real Fábrica Sajona de Porcelana, donde se realizaron los trabajos primero en gres, y a partir de 1713 comienza la producción en porcelana.

A Böttger le hacen director de la fábrica, vivió en una prisión, ya que no podía hablar del secreto. Pasó el resto de su vida deprimido y alcoholizado. Al final de sus días le reveló el secreto de la porcelana a Conrald Hunger, quien huyó de Sajonia y vendió el secreto a Dupaquier. Böttger muere con 37 años.

A partir de 1717 deja de ser Meissen la única manufactura  europea y se funda la porcelana de Viena a la manera Sajona.

La porcelana de Meissen comenzó a marcarse a partir de 1920, aunque en un principio había varios tipos de marcas. La más conocida y la que comenzó a ser de uso exclusivo a partir de 1731 fueron las dos espadas entrecruzadas, que en los diferentes periodos de la fábrica irá variando.


Periodos de la Meissen durante el S.XVIII:

Periodo Böttger: 1709-1719

Periodo experimental. Hasta 1713 serán piezas de gres (rojo, marrón y negro) añadiendoles decoración. Cuando comienza a realizar porcelana imita a las decoraciones orientales y experimenta con el color y el oro.













Periodo Herold: 1720-1735

Periodo sobre todo pictórico. Continua con las tipologías de Böttger y a partir de 1730 habrá nuevas formas.











Periodo Kandler:1730-1740:

Periodo escultórico. Realiza para Augusto el Fuerte animales de tamaño natural. También se harán servicios de mesa.

























Periodo Meyer: 1740-1756 y Dietrich: 1764-1774: Gusto por el Rococó


Entre medias de estos peridos dos periodos se produce una crisis de la manufactura debido a la Guerra de los Siete Años. Va a existir un gusto por el Rococó en estos dos periodos.








Periodo Marcolini: 1774-1814
Se fusiona el neoclasicismo arqueológico y el estilo Imperio








Para más información no duden en ponerse en contacto conmigo.


                                                 Beatriz V.Mazariegos Álvarez de Toledo
                                                               Licenciada en Historia del Arte.
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